La artista argentina Anabella Bergero planta bandera en el Faena Art de Miami, con la muestra titulada Corazón de Comunidad, un universo visual Latinx Pop, como la describen desde el centro de arte, que estará abierta al público desde el 28 de abril al 15 de julio de este año.
Texto: Jorgelina Peciña
Anabella Bergero es una artista multifacética, nacida en la provincia de Córdoba, Argentina, pero criada en México, donde vivió más de diez años: los suficientes para empaparse de ese universo de colores y costumbres ancestrales que tanta fama le supo dar al país del norte. Sin embargo, en 2012, Anabella volvió a la Argentina país a formarse: estudió Diseño de Indumentaria y Textil en la Universidad de Palermo, donde tuvo la oportunidad de hacer un intercambio estudiantil con un centro de estudios en Copenhague, Dinamarca, país icónico por su diseño.
A su regreso, además de una mochila cargada de experiencia, se trajo su propia marca, Maison Nomade, y de esta manera, Anabella Bergero dejó de ser estudiante para dar sus primeros pasos como emprendedora. “Con mi marca gané certámenes de moda, como el Fashion Edition Buenos Aires y PasarelaBA del Gobierno de Buenos Aires. También, me presenté en Mercedes-Benz Fashion Week México y Buenos Aires Fashion Week, entre otros”, comenta con orgullo la artista.
No conforme con estos exitosos primeros pasos, Anabella fue por más y se mudó nuevamente, esta vez a Londres, para estudiar en la prestigiosa universidad de arte y diseño, la Central Saint Martins, donde volvió a ser alumna otra vez. Sin embargo, las ganas de moverse no dejaron de estar ahí, así que con su recién estrenado título en mano, aterrizó en Nueva York, donde comenzó su experiencia por Estados Unidos.
Primero fue alumna del MFA Fashion Design, donde realizó una maestría en Bellas Artes en Diseño de Moda, de la cual se graduó en 2020. Ya recibida, Bergero fue galardonada con el SUNY PACC Prize por la creación y la curaduría del proyecto Construyendo Identidades: género y cultura en Latinoamérica Contemporánea. Dicho proyecto fue sponsoreado por las marcas Mimaki y Swarovski, y materializado y presentado en una exhibición para el Mes de la Mujer en 2021, en el Consulado Argentino en Nueva York y en la Galería de Arte y Diseño en el Fashion Institute of Technology, en 2022.
EXPERIENCIA SUBLIME
En la actualidad, con base en Miami, Bergero define: “el arte es, verdaderamente, el corazón de las comunidades. El arte es vital, congregador y una experiencia sublime de relacionamiento con uno mismo y con la sociedad”; idea que se plasma al cien por ciento en su último trabajo para el Faena Art.
Si bien Bergero tiene sus orígenes en la moda, su camino creativo se encuentra siempre en la búsqueda de nuevos horizontes, por eso esta muestra combina mucho de lo que viene trabajando y cultivando en los últimos años, a través de sus viajes y contacto con múltiples culturas y formas de ver las cosas.
CORAZÓN DE COMUNIDAD
De esta manera, Corazón de Comunidad -que ya se puede disfrutar en el Faena Art de Miami– es más que una muestra tradicional, es una instalación viva que combina diseño de moda, collage, murales, videos y hasta workshops, charlas y la grabación de un podcast. Y además, invita al público a co-crear el trabajo junto con la propia artista.
Según los organizadores del Faena Art, “la exposición dará vida a un universo visual Latinx Pop, compuesto por arte textil, piezas de diseño de moda, collage y murales impresos digitalmente”. Sin embargo, esta descripción sucinta no alcanza para describir todo el potencial y la magia que la muestra tiene para compartir. Así que fuimos con la propia artista, para que sea ella la que nos cuente directamente, de qué va Corazón de Comunidad.
+¿Cuál es la experiencia que se propone en la muestra?
En esta primera mitad del año, me invitaron a intervenir el espacio del Faena Art Project Room en Miami. Como parte de la propuesta, desarrollé una exhibición inmersiva en donde se exponen prendas de moda, objetos textiles, video collages, murales y vitrales. Heart of Community, tal es su nombre en inglés, es una muestra mix-media de arte, donde se recrea un universo Pop Latinoamericano. También, desarrollé un calendario de activaciones para convocar a la comunidad a co-crear en el espacio, convirtiendo a esta galería en un centro de encuentro colectivo de creación, disfrute y contemplación del arte. Toda la experiencia Heart of Community manifiesta el arte en un estado constante de encuentro. A través del arte, tiendo puentes desde las configuraciones visuales en los collages que se ven en la sala de exhibición, hasta en el intercambio con quienes co-crearé trabajos, en los talleres creativos y el podcast.
+¿Cuánto tiempo te llevó desde la concepción de la idea hasta su puesta en marcha?
Recibí la invitación para intervenir el espacio en marzo de este año. Es una oportunidad muy significativa, ya que comencé mi carrera en las industrias creativas en el 2015, cuando me consagré ganadora del Fashion Edition Buenos Aires, en mi primer desfile de moda en Faena Buenos Aires. Esta oportunidad la siento como una vivencia 360 grados. Desde esa primera pasarela hasta esta sala de exhibición, hay una multiplicidad de experiencias y mudanzas en medio, que dieron origen a esta instalación. Desde México a Argentina, desde Londres a Nueva York, donde realicé mi maestría, y de allí a mi ubicación actual, en Miami.
+ ¿Cómo ideaste la muestra, en qué te inspiraste?
En el Art Project Room de Faena Miami expongo un universo creativo y visual, que vengo estudiando y explorando desde hace tres años. Todo empezó en medio de varias mudanzas, al encontrarme que muchas de las ideas que se construyen sobre la latinidad en los países en los que estuve y que tienen que ver con estereotipos culturales. El lenguaje visual que propongo es uno en donde los collages representan una narrativa re-construida, buscando re-crear nuevas formas de visibilizarnos. Pero, más que nada, en celebrarnos, nuestros ritos y tradiciones, en nuestra producción cultural y en la magia de nuestros imaginarios visuales.
+La muestra tiene mucho color, ¿qué buscás transmitir?
La vibración de color es algo muy presente en el desarrollo de mi obra de estos últimos tres años. La relación con el color en una primera instancia fue personal. Desde aprender a integrar el color en mí misma, pasando de mis looks all-black a incorporar prendas de colores, hasta culminar en una pasarela arcoíris encarnada. La realidad con el color es una que, habiéndome criado en México, estuvo muy próxima a mi desarrollo sensorial, ya que los colores me rodearon desde muy chica y siempre me sentí muy estimulada y atraída por ellos. Luego, en mi adultez temprana, los dejé ir. Como si parte del rito de pasaje a la adultez fuese el olvido de los colores. Y mucho más el uso de ellos de forma indiscriminada, sin correlación o combinación aparente. Sentí la entrada a una nueva edad, donde lo moderno o maduro se representaba con el despojo de los colores y la adopción de una paleta de colores más reducida. Entonces, el uso de color en esta muestra funciona como un agente disruptor en muchos niveles, imaginando contemporaneidades, en donde paletas saturadas de colores estructuran propuestas visuales dinámicas, llenas de vitalidad.
+La imagen de la Virgen de Guadalupe, una figura icónica en América Latina, ya sea a nivel religioso como cultural, parece dominar la escena de la muestra. ¿Por qué?
Encontré esa imagen en un altar religioso vernacular en un estacionamiento en Querétaro, México, en 2019. En ese momento, estaba haciendo un ensayo visual sobre iconografía religiosa vernacular, para el que hice una serie de fotos sobre altares que encontraba en las calles, los mercados, las plazas, etc. Esa imagen quedó por varios años en mi archivo y en lo que fue mi investigación de maestría sobre la construcción de la identidad en Latinoamérica contemporánea. De allí, como forma de sintetizar esa investigación, empecé a desarrollar video collages sobre ciertos aspectos de la cultura visual latinoamericana, uno de los cuales se puede encontrar en la muestra, con una superposición de imágenes. Entre imágenes de paisajes urbanos, estaba la del altar que tenía a la icónica figura de la Virgen de Guadalupe. Me causa fascinación su iconicidad. Habiéndome criado en una familia híper católica, había figuras religiosas en cada parte de los espacios habitacionales en los que vivía o compartía. Mis abuelas, cada una con una habitación en sus casas destinada a sus altares religiosos repletos de figuras, encabezados muchas veces por la Virgen de Guadalupe. Entonces, la imagen de la Guadalupana encuentra un espacio en este universo Pop por su iconicidad y, también, por ser una parte integral del imaginario visual e identitario latino.
+Para cerrar, ¿qué importancia tiene este trabajo en tu carrera?
Esta muestra la siento como una instancia de integración. Una unión de los diferentes hitos y desarrollos creativos de mi trayectoria. Esta exhibición viene luego de un paso firme por Nueva York con una exhibición que presenté allí el año pasado. Con Heart of Community marco paso ahora aquí en Miami, con la instalación más grande que he desarrollado hasta ahora. Ha sido un desafío interesante y una gran oportunidad trabajar con Faena Arts y otros colaboradores, como Mimaki, Orafol Americas, Economy Sign Supply y Signs Connection. Gracias a su apoyo, pude construir el espacio. En Heart of Community, realmente, pude exponer todos los medios en los que he trabajado: desarrollo textil e indumentario, video y collage digital. También, incorporé en algunas piezas nuevos medios, como lo son los textiles enmarcados y el uso de neón. Toda la instalación contiene, también, propuestas de activaciones creativas con la comunidad, convirtiendo el espacio en un centro de creación colectiva. Definitivamente, esta muestra marca un hito importante en mi carrera y a nivel personal, desde la inserción de mi arte en Estados Unidos, hasta la posibilidad de exponer un universo visual en el que vengo trabajando hace unos años ya.+
